Hur Sofia Coppola skapar sina unika filmer

2024 Författare: Malcolm Clapton | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-17 04:11

Loners kommer att charmas av mörk romantik, musikälskare - av soundtracket och alla andra - av diskret humor.

Sofia Coppola anses välförtjänt vara en av generationens främsta amerikanska regissörer. I hennes filmografi finns både erkända mästerverk ("Lost in Translation") och filmer som har samlat föga smickrande recensioner ("Elite Society"). Men alla dessa verk har en sak gemensamt - den ursprungliga handstilen, som är svår att förväxla med något.

Hur Sofia Coppola fick sin start

Sofia Coppola föddes i en berömd kreativ familj. Hennes far är den store Francis Ford Coppola, en av huvudregissörerna under andra hälften av 1900-talet. Och bror Roman arbetade inom olika områden av filmskapande. Sofia, knappt född 1971, har redan gjort sin filmdebut som bebis vid ett dop i Gudfadern. Som barn kunde hon komma till sin pappa när hon ville.

Ironiskt nog hjälpte den berömda påvens beskydd inte alls avslöjandet av Sofias talanger, utan hindrade henne till och med. Francis Ford satte till exempel sin älskade dotter i stället för den pensionerade Winona Ryder i sin sista film om familjen Don Corleone. Men kritikerna slog skoningslöst flickan, och på det här, i allmänhet, slutade hennes skådespelarkarriär.

Men misslyckandet fick Coppola att försöka sig på andra sidan kameran, och här visade sig hennes talang vara obestridlig. När Sofia släppte Virgin Suicide 1999 var hon bara 28 år gammal. Filmen var så bra att Coppola Jr omedelbart etablerade sig som en oberoende kreativ enhet.

Vad gör Sofia Coppolas registil annorlunda?

Utsökta färglösningar

Sofia Coppolas filmer är alltid omisskännliga igen tack vare deras speciella estetik av ömhet, pastellfärger och behagliga undertoner. Först och främst gäller detta filmskaparens tidiga verk. Höjdpunkten för märket "godis" når i "Marie Antoinette" (2006), där miljön bokstavligen liknar ett stort konditori.

Stillbild från filmen "Lost in Translation"

En scen från filmen "Virgin Suicides"

En scen från filmen "Virgin Suicides"

Stillbild från filmen "Marie Antoinette"

Betoning på små, intima detaljer

Sofia är känd för att vara noggrann när det gäller detaljer. Så i "The Virgin Suicides" visade regissören i detalj livet för flickor som bor i en sömnig amerikansk förort, och i "Marie Antoinette" återskapade hon minutiöst lyxen i Versaillespalatset. Denna teknik gör att betraktaren kan känna sig närmare karaktären.

Det intima i Coppolas tillvägagångssätt är också tydligt till exempel i scenerna med badrummet, som kan ses i nästan varannan film. Detta är ytterligare ett subtilt drag som är utformat för att förmedla hjältarnas bräcklighet och sårbarhet.

En scen från filmen "Virgin Suicides"

En scen från filmen "Virgin Suicides"

Stillbild från filmen "Marie Antoinette"

En scen från filmen "Virgin Suicides"

Stillbild från filmen "Marie Antoinette"

Stillbild från filmen "Marie Antoinette"

Obekväm miljö för hjältar

Nästan alla karaktärer i Coppolas verk förenas av det faktum att de är begränsade av några oöverstigliga omständigheter: åtsittande kläder, skyldigheter gentemot nära och kära, moraliska normer eller etikett. Till exempel i Lost in Translation kommer Bill Murrays och Scarlett Johanssons hjältar till ett land de inte känner till där ens enkla handlingar som att äta eller ta en dusch är obekväma.

Unga tjejer från "Virgin Suicides" är bokstavligen inlåsta hemma under överinseende av en strikt mamma. Förekomsten av elever i "Fatal Temptation" begränsas av staketet till deras pensionat. Och Marie Antoinette i filmen med samma namn är under andras blickar dag och natt och lämnas med sällsynta undantag aldrig ensam med sig själv.

Stillbild från filmen "Lost in Translation"

En scen från filmen "Virgin Suicides"

Stillbild från filmen "Marie Antoinette"

Ständiga upprepningar

Coppolas hjältar finner sig ofta som gisslan i samma livssituation, som upprepar sig från dag till dag. Till exempel sitter hjältinnan Kirsten Dunst i "Marie Antoinette" och äter frukost i Versailles lyxiga hall och tittar fördömt på sin man. Eller skådespelaren Johnny Marco från filmen "Somewhere" kallar då och då go-go-dansare till sig - bara deras outfits förändras. Denna enkla teknik låter dig mycket exakt förmedla monotonin i karaktärernas existens, all meningslöshet och tomhet som omger dem.

Stillbild från filmen "Marie Antoinette"

Stillbild från filmen "Marie Antoinette"

Inspelad från filmen "Somewhere"

Inspelad från filmen "Somewhere"

Pittoresk kameraarbete

Från film till film använder Sofia samma igenkännliga visuella motiv som hjälper henne att förvandla den verkliga världen till en sorts dröm. Bland dem är dubbelexponering, reflektioner i glas, välfångat solljus, allestädes närvarande bländning. Dessutom skjuter Coppola vanligtvis i en hög ton. Detta är ett sätt att konstruera ett ljusschema, där det nästan inte finns några skuggor i bilden, så att ramen visar sig vara särskilt lyrisk, fylld med mjukt ljus.

Stillbild från filmen "Lost in Translation"

Stillbild från filmen "Lost in Translation"

Stillbild från filmen "Lost in Translation"

Stillbild från filmen "Marie Antoinette"

Stillbild från filmen "Lost in Translation"

Vilka är de andra unika egenskaperna hos Sofia Coppolas arbete

Arkitektur, design och mode som filmens fullfjädrade hjältar

Till en början hade Sofia inte alls för avsikt att bli regissör utan planerade att jobba inom modebranschen. Och inflytandet från denna del av Coppolas personlighet märks i nästan alla hennes band. "Elite Society" njuter av 2000-talets glansiga, vulgära estetik, "Virgin Suicides" glorifierar de klassiska egenskaperna hos 70-talsstilen, och skor för "Marie Antoinette" uppfanns av skogeniet Manolo Blahnik. Och det här är bara några exempel.

Förresten, Coppola spelar med jämna mellanrum kommersiella videor för kända varumärken. Så hennes författarskap tillhör annonsen för parfymen Miss Dior och Daisy-parfymen av Marc Jacobs, samt en minifilm för att hedra samarbetet mellan H&M och Marni.

Sofia ägnar inte mindre uppmärksamhet än karaktärernas kläder till den miljö de befinner sig i. Till exempel är Lissabonsystrarnas hus i "The Virgin Suicides" och Martha Fartsworths herrgård i "The Fatal Temptation" faktiskt fulla deltagare i händelserna. Oavsett om det är estetiken hos hotellen i Lost in Translation och Somewhere, eller det pompösa Versailles i Marie Antoinette, bör de världar som skapats av Coppola ses utan att missa ett slag.

Stillbild från filmen "Marie Antoinette"

Stillbild från filmen "Marie Antoinette"

Stillbild från filmen "Marie Antoinette"

Stillbild från filmen "Marie Antoinette"

Inspelad från filmen "Fatal Attraction"

Stillbild från filmen "Elite Society"

Mystik och underdrift

Nästan alla Sophias verk förenas av viss återhållsamhet. Regissören visar till exempel inte medvetet hur Marie Antoinettes korta liv slutade. Och folk kommer inte att tröttna på att undra vad Bill Murray viskade i Scarlett Johanssons öra i slutet av Lost in Translation (låt oss avslöja en hemlighet: faktiskt inte ens regissören själv vet detta).

Faktum är att i förhållande till hans karaktärer agerar Coppola alltid som en fristående betraktare. Vi ser människor och deras handlingar, men vi förstår inte motiven. Vi vet inte vilka tankar och önskningar som faktiskt rör hjältarna, men vi kan bara bygga våra egna gissningar.

Shogaze och postpunk soundtrack

Sofia är ett stort fan av musikaliska riktningar som postpunk och shoegaze. Hennes kärlek var tydligast i Lost in Translation, där Kevin Shields, ledaren för kultbandet My Bloody Valentine, stod för soundtracket.

Detta kollektiv blev känt som en pionjär inom shugese. Kärnan i denna genre är skapandet av den så kallade ljudmuren. Outputen är grov och bullrig, men samtidigt paradoxalt nog drömsk och mild musik. Och detta ljud, på grund av kontrasten, är den bästa möjliga kombinationen med Coppolas flygvideosekvens.

I samma band kan du höra de glamorösa avantgardeartisterna Roxy Music och en av kompositionerna The Jesus and Mary Chain. De senare benämns ofta som föregångare till shugaze.

Slutligen ska det tilläggas att Sofias man, Thomas Mars, sångaren i det franska indiebandet Phoenix, regelbundet låter i hennes filmer, och för "Somewhere" spelade han in ett helt soundtrack.

Vilka ämnen tar Sofia Coppola upp i sina filmer?

Motivet till ensamhet

Nästan alla Sofia Coppolas målningar förenas av temat outsäglig melankoli. Och mest av allt, de karaktärer som i allmänhet har allt, brukar lida av det. Därmed försöker regissören förstå hennes barndoms ensamhet och alienation. Trots allt tillbringade hon alla sina första år, kan man säga, i en gyllene bur.

För att understryka separatiteten hos hans karaktärer använder Coppola en mängd olika tekniker. Separerar dem till exempel visuellt från andra människor. Eller så placerar den karaktärer i utrymmen som är oproportionerliga till dem, i jämförelse med vilka de ser väldigt små och obetydliga ut.

Den ensamma gestalten Kirsten Dunst mot bakgrund av palatsets vidsträckta vidd. Stillbild från filmen "Marie Antoinette"

Sofia Coppola framhåller visuellt ensamheten i Scarlett Johanssons karaktär och skiljer honom från resten. Stillbild från filmen "Lost in Translation"

Hjältinnan Scarlett Johansson är i fokus, resten av karaktärerna inte. Stillbild från filmen "Lost in Translation"

Kvinnlig blick

Ofta i centrum av Coppolas berättelse står en sluten kvinnlig grupp ("Jungfrusjälvmord", "Fatal Temptation") eller bara unga flickor med änglalikt utseende ("Elite Society"). Men samtidigt är hjältinnornas oskuld oftast bedräglig och närmare finalen förvandlas till något ohälsosamt eller skrämmande.

Inspelad från filmen "Fatal Attraction"

En scen från filmen "Virgin Suicides"

Stillbild från filmen "Elite Society"

Far-dotter förhållande

Ett par målningar i Coppolas filmografi kan i en eller annan grad kallas självbiografiska. Det mest uppenbara exemplet är Somewhere-bandet. I sin huvudkaraktär är Sofia själv omisskännligt gissad, tvingad att dela en älskad med fans och paparazzi och ständigt bo på hotell mellan prestigefyllda festivaler.

Fadersgestalten kommer också fram i fullängdsfilmen "The Last Stroke". Dessutom knyter Bill Murray i den här filmen till och med en halsduk precis som Francis Ford Coppola.

Skott från filmen "The last straw"

Inspelad från filmen "Somewhere"

Vilka filmer av Sofia Coppola är värda att se

1. Jungfrusjälvmord

• USA, 1999.
• Drama, melodrama.
• Längd: 97 minuter.
• IMDb: 7, 2.

En grupp på fyra barn minns flickor-grannar som något hemskt hände med för många år sedan. Först kastas den yngsta av de fem Lissabondöttrarna, Cecilia, ut genom fönstret. Efter hennes död blir huvudskolans stilige man kär i 14-åriga Lux, och detta leder familjen till ännu större problem.

Debuten "Virgin Suicides" baserad på romanen med samma namn av Jeffrey Eugenides drog ögonblickligen tittarnas och kritikernas uppmärksamhet till Sofia och bestämde också hennes vidare kreativa väg. Här manifesterade Coppolas handstil sig i all ära: världen är någonstans på gränsen till dröm och verklighet, som om den var skriven i akvareller, ett melankoliskt ljudspår och en lösryckt ställning hos författaren, som medvetet inte ser in i huvudet på hans hjältar.

"Jungfrusjälvmorden" är lika tragiska och bedårande. Bilden i sig är väldigt ljus, även om den berör mörka teman, inklusive tonårssjälvmord, religiös besatthet och våld i hemmet.

2. Förlorad i översättning

• USA, Japan, 2003.
• Drama, melodrama.
• Längd: 102 minuter.
• IMDb: 7, 7.

Medelålders skådespelaren Bob Harris och studenten Charlotte befinner sig samtidigt i en obekant stad - Tokyo. De träffas av en slump på ett hotell och tillbringar den korta men mest spännande tiden i sina liv tillsammans.

Sofias verkliga genombrott var hennes andra långfilm. Filmen vann en Oscar i nomineringen för bästa originalmanus och samlade en hel drös med priser på olika festivaler.

Lost in Translation hänvisar till en film där det, när det gäller handlingen, händer lite. Men samtidigt förändras nästan allt för hjältarna i Bill Murray och Scarlett Johansson. Båda karaktärerna möter kriser: en i medelåldern, den andra i tidig vuxen ålder. Det verkar som att de efter att ha träffats borde finna lycka, men Sofia Coppola lurar våra förväntningar och berättar istället för en kärlekshistoria historien om en dödsdömd romans.

Det är anmärkningsvärt att Coppola började skriva Lost in Translation när hon skilde sig från sin första make, Spike Jones (det var han som blev prototypen till Charlottes man). Han började arbeta på sin debut "She" ungefär samtidigt. Så dessa två verk kan ses som en inofficiell dilogi om ensamhet.

3. Marie Antoinette

• USA, Frankrike, Japan, 2006.
• Biografiskt drama.
• Längd: 123 minuter.
• IMDb: 6, 5.

Maria Antonia, den yngsta dottern till kejsarinnan av Österrike, gifter sig med den blivande kungen Ludvig XVI. Så flickan blir den franska dauphinen Marie Antoinette, och senare drottningen. Problemet är att deras äktenskap med Louis förblir barnlöst under en tid, och sedan finner härskaren tröst i hedonism och slöseri. Men hon kommer att få betala dyrt för en för lyxig livsstil.

Omedelbart efter The Virgin Suicides bestämde sig Sofia Coppola för att filma biografin om Marie Antoinette, en av de mest kontroversiella historiska personerna, men bestämde sig för att agera på ett ovanligt sätt. Filmskaparen vägrade medvetet att läsa den klassiska biografin om Stefan Zweigs penna och föredrog en mer intim och sensuell utforskning av Antonia Fraser.

För huvudrollen blev Coppola återigen uppringd av Kirsten Dunst, som hon redan arbetat med i "The Virgin Suicides". Det finns till och med ett visst samband mellan bilderna som skådespelerskan har förkroppsligat i dessa två filmer. I båda filmerna pratar vi om tjejer – offer för sin egen skönhet. Alla beundrar hjältinnorna, men ingen förstår dem.

Regissören ser på det förflutnas händelser genom samtidens prisma. 1700-talets lyxiga toaletter är målade i ljusa färger, atypiska för den eran. I en scen dyker Converse sneakers upp i förbifarten. Och på balerna roar de sig med new wave och postpunkmusik: Siouxsie and the Banshees, Bow Wow Wow och The Cure.

Sådana medvetna anakronismer är nödvändiga för att betraktaren ska komma närmare hjältinnans erfarenheter, som går förlorad inte bara i sig själv utan också i tiden. Hon klarar sig verkligen mycket bättre med moderna Converse än rokokostor.

4. Någonstans

• USA, 2010.
• Komedi, drama.
• Längd: 99 minuter.
• IMDb: 6, 3.

Hollywoodskådespelaren Johnny Marco lever en vild och ganska meningslös livsstil. Men när hans exfru lämnar sin 11-åriga dotter som ansvarig för honom i ett par veckor, hjälper kommunikationen med flickan att förstå sig själv bättre.

Kritiker tog bandet försiktigt, men vanliga tittare förstod inte alls. Den här filmen är verkligen kontroversiell. Trots all sin subtilitet och penetration kan "Somewhere" bara rekommenderas till de mest lojala fansen av Sofia Coppola. Eller de som uppriktigt älskar meditativ, lugn film utan intrig och synlig konflikt.

5. Elitsamhälle

• USA, Storbritannien, Japan, Tyskland, Frankrike, 2013.
• Brottsdrama.
• Längd: 87 minuter.
• IMDb: 5, 6.

Mark flyttas till en ny skola, men där har han bara ett förhållande med en tjej som heter Rebecca. En dag, av tristess, uppmanar hon killen att plundra andras bilar på jakt efter värdesaker, och sedan även klättra runt i grannhusen. Killarna kommer undan med det, men deras aptit växer, och sedan bestämmer sig hjältarna för att utforska Hollywoodstjärnornas herrgårdar.

I nästa verk antog Coppola en ny genre av social satir. Handlingen är baserad på artikeln De misstänkta bar louboutins / Vanity Fair från Vanity Fair, som berättar historien om tonåringar som fräckt rånade villorna på kändisar och till slut greps av myndigheterna.

Samtidigt förblir Sophia trogen sig själv. Hon ser inte ner på, fördömer någon och moraliserar inte. Men samtidigt målar den upp ett porträtt av en generation som är slående i sin noggrannhet: lata, okunniga konsumenter, övertygade om att de som standard har rätt till ett lyxigt liv, som de inte satt ett finger på fingret för.

6. Dödlig frestelse

• USA, 2017.
• Drama, melodrama, thriller.
• Längd: 93 minuter.
• IMDb: 6, 3.

Amerikanska södern, 1864. Inbördeskriget är i full gång. Sårad i benet hamnar en korpral från Army of the North, John McBurney, på ett pensionat för unga damer, där bara värdinnan, en ung lärare och flera elever finns kvar. Till en början är damerna emot att en främling dyker upp i deras kloster, men efter hand vaknar ett otvetydigt intresse för gästen hos dem.

Det sjätte långfilmsverket gav Sofia huvudpriset för bästa regissör vid filmfestivalen i Cannes. Regissören tog som grund romanen "Bedragen" av Thomas Cullinan. Don Siegel var den första att filma den här boken 1971, och den oefterhärmliga Clint Eastwood spelade då huvudrollen.

I den nya bearbetningen har tyngdpunkten helt flyttats från huvudpersonen (Eastwood ersattes här av den inte mindre karismatiske Colin Farrell) till kvinnorna omkring honom. Huvudrollerna gick till Kirsten Dunst, Elle Fanning och Nicole Kidman. I Fatal Temptation är bilden mer bedräglig än någonsin. Och istället för ett kostymmelodrama väntar en riktig gotisk skräck för publiken – trögflytande, kuslig och extremt obekväm, men ändå förtrollande vacker.

7. Sista halmstrået

• USA, 2020.
• Drama, komedi, detektiv.
• Längd: 96 minuter.
• IMDb: 6, 5.

Den framgångsrika författaren Laura misstänker sin man för förräderi. En äldre kvinnokarl Felix, som en gång gick till vänster om sin fru själv, kommer sin dotter till hjälp. Han är säker på att en mans natur inte tillåter honom att vara trogen i äktenskapet. Fadern uppmanar flickan att följa sin man för att fånga honom på brottsplatsen.

"The last straw" (i originalet On the Rocks, som kan översättas som "med is" och som "familjeproblem"), filmade Sofia specifikt för tjänsten Apple TV +. Vid första anblicken faller den här filmen till sämre än Coppolas andra verk, men underskatta den inte. Det här är en extremt uppriktig och smart berättelse om två olika generationer, skickligt spelad av Rashida Jones och Bill Murray, där det är lätt att känna igen Sophia själv och hennes far.

Titta på Apple TV + →