Ouppenbara anledningar till varför vi älskar vissa filmer och har svårt att tolerera andra

2024 Författare: Malcolm Clapton | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-17 04:11

Finesser i redigering, kamerateknik och andra knep som låter dig känna atmosfären.

Oftast, när man diskuterar film, pratar man om handlingen och skådespeleriet. Naturligtvis är dessa viktiga komponenter i vilken film som helst. Men det råkar vara så att man inte kan ta blicken från en bild, även om handlingen utvecklas väldigt långsamt, och en annan historia blir snabbt tråkig, trots de många händelserna. Vissa författare lyckas få tittaren att tro på de mest fantastiska svängarna, medan andra gör även verkliga situationer som leksaker. Och det är bara trevligt att titta på vissa band, medan andra är svåra.

Saken är den att det, förutom handlingen och skådespelarna, finns många intressanta tekniker som regissörer använder för att hjälpa tittaren att känna handlingen och njuta av det som händer på duken. Dessa subtiliteter kanske inte ens märks, men de påverkar ändå i hög grad uppfattningen av bilden.

Färgspektrum

Det första att lägga märke till är att färgerna i filmerna ofta inte alls är desamma som i verkligheten. Det kan vara ganska uppenbart (till exempel om bilden är svartvit), eller så inser du det inte direkt. Men detta är ingen slump.

Skapar en atmosfär

Med hjälp av färger kan du bättre förmedla stämningen av det som händer, skapa en stämning för tittaren och till och med visa karaktärernas känslor.

Ta den populära X-Men-serien som ett exempel. I huvudserien av filmer liknar den ljusa och rika bilden serier. Och i motsats till dem i noir "Logan", där de pratar om hjältens ålderdom och trötthet, väljs blekare toner.

Inspelad från filmen "X-Men: Apocalypse"

Skott från filmen "Logan"

I filmen "Mad Max: Fury Road" utspelar sig det mesta i ett hett ökenområde. Det är logiskt att bilden är tagen i gul-orange nyanser, som får dig att känna den gassande solen och torrheten.

För tydlighetens skull kan du ta en ram och ändra färgschemat. Det kommer genast att verka som att det har blivit kallare.

Inspelad från filmen "Mad Max: Fury Road"

Samma ram, fast i kalla färger

För att skapa en kontrasterande bild görs moderna storfilmer och i allmänhet massbio mer blå och orange.

Men den berömda Wes Anderson älskar en mjuk rosa palett. Det ger tittaren känslan av en gammal romantisk film. Och allt som händer upplevs lugnare och lättare.

När de vill skapa en atmosfär av framtid och fantasi vänder de sig också ofta till det blå sortimentet. Och de älskar särskilt neonfärger, som är fast förbundna i tittarens huvud med cyberpunk och teknik.

Det behöver inte sägas att skräckfilmare föredrar mörka färger. Det finns flera anledningar till detta. Naturligtvis är detta delvis ett sätt att pumpa atmosfären. Många människor är redan mörkrädda, och i skräckfilmer gömmer sig även monster i det.

Dessutom låter en mörk bild dig något dölja bristerna i grafik eller smink och spara på produktionen. Det är sant att det finns en fara i detta: om du mörkar ramen för mycket kan tittaren helt enkelt inte se vad som händer på skärmen, särskilt i en dålig biograf eller på en gammal TV. Till exempel var detta fallet i 2018 års film Slenderman.

Även om vissa originalregissörer kan spela i kontrast. Till exempel visade Ari Astaire i "Solstice" den typiska atmosfären för en skräckfilm: hjältarna befinner sig i en isolerad by där hemska saker händer.

Men samtidigt är bilden väldigt ljus, det finns nästan inga mörka scener i den, och hjältarnas kläder är snövita. Och detta gör det ännu mer skrämmande, eftersom det inte finns någonstans att gömma sig för skräcken.

Separera tomtdelar

En film kan ha flera olika färgfilter. De används för att separera storylines tydligare. Och med rätt talang hjälper detta tillvägagångssätt att lysa upp bilden.

Matrix är ett bra exempel. Logotypen för detta band gjordes med gröna kodsymboler, som anger programmet där människor bor. Det är därför allt som händer i den virtuella världen filmades genom ett grönaktigt filter. Och verkliga händelser visas i blått.

En scen från filmen "The Matrix", action i den virtuella världen

En scen från filmen "The Matrix", action i verkligheten

Och först i slutet av tredje delen, när människor och maskiner ingick ett fredsavtal, dyker rena blå och gröna färger upp i ramen samtidigt.

I Christopher Nolans Inception flyttar karaktärerna från den verkliga världen till sömn, sedan till sömn i sömnen, och så vidare. För att tydligare separera "skikten" valde regissören sitt eget färgschema för vart och ett av dem.

Skott från filmen "Inception", den första drömmen

Skott från filmen "Inception", andra dröm

Skott från filmen "Inception", tredje dröm

På den första nivån av sömn filmas allt i en blå palett, den andra är gul, den tredje är vit. Och först i den sista drömmen möts alla nyanser igen, som i den verkliga världen.

I Blade Runner 2049 av Denis Villeneuve återspeglade olika färger både platsen och det inre tillståndet hos huvudpersonen.

Inspelad från filmen "Blade Runner 2049"

Inspelad från filmen "Blade Runner 2049"

Inspelad från filmen "Blade Runner 2049"

Inspelad från filmen "Blade Runner 2049"

Allt börjar med att Ryan Goslings karaktär vandrar i dimman, sedan går han genom en varm orange öken, neonfuturism och en nattlig översvämning. Och berättelsen slutar på en snövit bakgrund, som återspeglar lugn och rening.

Vägra färg

En gång i tiden var alla filmer svartvita. Helt enkelt för att de inte visste hur de skulle fotografera annars och det gick att färglägga ramarna enbart för hand. Sedan kom färgfilmer och filmografin blev mycket mer realistisk.

Men samtidigt är svartvit fotografering inte helt ett minne blott. De används fortfarande för konstnärliga ändamål. Till exempel för att avgränsa olika världar eller berättelser.

Så, i "Trollkarlen från Oz" 1939, dyker färg upp när Dolly kommer in i sagovärlden.

Stillbild från filmen "Trollkarlen från Oz", vanlig värld

Stillbild från filmen "Trollkarlen från Oz", sagoland

I "Stalker" av Andrei Tarkovsky saknas färger också i hjältarnas vanliga liv. Och när karaktärerna kommer in i den mystiska "Zonen" blir världen ljus - det är här som människor verkligen avslöjar sig själva.

Eller samma Christopher Nolan i bandet "Remember" visade en del av handlingen i direkt ordning, och den andra - i motsatsen. Därför är hälften av filmen inspelad i färg och den andra i svartvitt.

Stillbild från filmen "Remember", direkt beställning

Stillbild från filmen "Remember", omvänd ordning

Dessutom låter en svartvit bild dig markera vissa detaljer mer levande genom att helt enkelt lägga till färg till dem. För första gången gjorde Sergei Eisenstein detta när han manuellt målade flaggan i 1925 års slagskepp Potemkin.

Därefter användes denna teknik i helt andra genrer. I Steven Spielbergs Schindlers lista blir utseendet på en flicka i röd kappa ett av de mest känslosamma ögonblicken.

Och även i serietidningsfilmen Sin City används detta tillvägagångssätt upprepade gånger, med betoning på rött läppstift, ljusa ögon eller blod.

Ramkonstruktion

Tredjeregeln

En av grundprinciperna för både film och fotografi. Detta är ungefär en förenklad regel om det "gyllene snittet".

Det är enkelt: när du fotograferar är skärmen uppdelad i tre delar vertikalt och horisontellt. De viktigaste elementen för tomten bör placeras på dessa linjer, såväl som vid deras korsning. Detta gör det lättare för tittaren att fokusera på de önskade punkterna.

Placera i en fyrkant

Om du villkorligt delar upp ramen i hälften eller i fyra lika delar, kan du få tittaren att förstå utan ord vilken plats karaktären har i berättelsen.

Denna teknik syns tydligast i filmen "Drive" av Nicholas Winding Refn. Till exempel, om huvudkaraktärens ansikte visas i det övre vänstra hörnet, och i nästa bildruta en annan karaktär visas på samma plats, är detta en antydan om att karaktärerna kommer att vara rivaler.

Dessutom kan samma Refn berätta två berättelser parallellt: i den övre och nedre delen av skärmen eller i den vänstra och högra halvan. Tittaren kanske inte märker detta drag, men ändå kommer uppfattningen av karaktärerna att vara mer komplett. Plus att det bara är vackert.

Symmetri

En annan psykologisk och estetisk teknik på samma gång. Ofta görs bilder där den vänstra halvan reflekterar den högra halvan bara för skönhetens skull.

Men ibland förmedlar de karaktärernas motstånd. Och om hjälten ser sig i spegeln kommer den att visa hans mörka sida eller skillnaden mellan drömmar och verklighet. Kort sagt, vilken allegori som helst som kan tänkas för reflektioner.

Stillbild från filmen "2001: A Space Odyssey"

Skott från filmen "The Shining"

En stillbild från filmen "Joker".

holländska hörnet

För att visa huvudpersonens instabilitet, hans tvivel om något eller minnesproblem använder de en mycket visuell teknik. "holländsk vinkel" betyder att kameran inte fotograferar rakt utan lutar. Många exempel på detta tillvägagångssätt finns i Danny Boyles filmer.

Det är ovanligt för betraktaren att titta på bilden från en vinkel, så han uppfattar bättre karaktärens obekväma tillstånd.

Det är dock viktigt att observera måttet här. Till exempel filmades den katastrofala filmen "Battlefield: Earth" helt i en vinkel. Men om en och en halv timme har tittaren med största sannolikhet bara ont i nacken.

Att skjuta underifrån och uppifrån

En annan av de enkla men effektiva teknikerna som låter dig förmedla hjältarnas självkänsla. Så du kan till exempel visa vem som är herre över situationen. Och då kommer jag genast ihåg banden av Quentin Tarantino, där karaktärerna tittar ner i bagageutrymmet.

Inspelad från filmen "From Dusk Till Dawn"

Inspelad från filmen "Reservoir Dogs"

Och att skjuta uppifrån gör att man känner att hjälten känner sig osäker. Här är hur roligt de spelade det i den berömda scenen från filmen "What Men Talk About", där karaktären Kamil Larin, som ett barn, gör ursäkter för dörrvakten på en dyr restaurang:

Dialog och rörelse

Bakgrundsåtgärd

En teknik som oftast används i komedi eller skräck. I förgrunden händer inget intressant. Och allt det viktigaste utspelar sig mot bakgrunden, som kan bli mörkare eller suddig.

Till exempel går huvudpersonen i filmen "Zombie Called Sean" till butiken. Allt är väldigt vardagligt för honom. Och i bakgrunden finns en riktig apokalyps:

Beroende på genre och presentation kan detta skapa antingen en väldigt rolig effekt eller spänning – så ofta döljs huvudskrikarna i skräckfilmer.

Samtal i rörelse

Den vanligaste typen av dialog i filmer är att karaktärer sitter och chattar. I det här fallet växlar kameran traditionellt mellan ansikten.

Men om scenen tar för lång tid, kommer tittaren att tröttna på den ständiga upprepningen av samma vinklar. Därför kompletterar eller ändrar bra regissörer miljön för sådana scener.

Så, i Quentin Tarantinos filmer talar karaktärerna nästan konstant. Men befälhavaren låter dig inte bli uttråkad, eftersom dialoger kan ske under körning. På grund av den ständiga förändringen av bakgrunden verkar handlingen inte vara monoton.

Och även om karaktärerna befinner sig i samma rum växlar inte kameran bara så. Hon kan röra sig runt dem, skapa effekten av närvaro och till och med deltagande i samtalet. Nästan alla karaktärer kan ses utan onödig redigering.

Nicholas Winding Refn lyckas använda det redan nämnda spelet med färg och reflektion i enkla konversationer. I Drive verkar den första dialogen mellan huvudpersonerna se väldigt enkel ut.

Men samtidigt är Ryan Goslings karaktär alltid på blå bakgrund (denna färgsättning följer med honom genom hela filmen). Och hjältinnan Carey Mulligan står vid de orangea väggarna. Och detta visar att något skiljer dem åt, trots att de är nära.

180 graders regeln

Det finns ytterligare en viktig punkt under inspelningen. Om du flyttar kameran mer än 180 grader när du byter vinkel blir tittaren förvirrad. Till exempel, när hjälten springer, kommer det att se ut som att han har vänt sig om och rör sig i motsatt riktning.

Och detta är lika viktigt även under dialoger. För att inte skapa intrycket av att alla i bilden har rört sig abrupt väljer operatören och regissören en viss linje bortom vilken kameran inte ska gå.

Det är konstigt att ett medvetet brott mot denna regel kan användas bara för att förvirra tittaren, för att visa hjältens förvirring. Och med vederbörlig fantasi skapar författarna mer ovanliga scener. Till exempel Gollums samtal med sig själv. Karaktären visas helt enkelt från olika håll, men detta skapar effekten att det finns två talare och de är i dialog.

Installationsfunktioner

Redigering gör att du kan göra filmens handling mer dynamisk, "hoppa över" livets tråkiga ögonblick och låta dig titta på vad som händer ur olika synvinklar. Dess enklaste form är narrativ. Det vill säga att händelserna i ramen äger rum efter varandra. Detta förklarades tydligast i Mannen från Boulevard des Capucines.

Men man kan visa filmens händelser på ett annat sätt, och för detta använder de olika tekniker.

Parallell installation

I motsats till sekventiellt berättande vill ibland författare att publiken ska se vad som händer samtidigt på olika platser. Och sedan övergår regissörerna till parallellredigering.

Detta gör handlingen mer händelserik. Men du måste vara försiktig. När allt kommer omkring, om du i tur och ordning visar scenerna som inträffar samtidigt, kan du få intrycket att var och en av dem varar längre.

Ett slående exempel på misslyckad parallellredigering är "Furious-6". Hjältarna försöker fly på ett flygplan som kör längs banan, bilar jagar dem och ett slagsmål äger rum inne i linern.

Författarna visar så många händelser på en gång att planet på skärmen verkar accelerera i minst 15 minuter. Onödigt att säga att detta dödar all realism i situationen?

Christopher Nolan, å andra sidan, anses allmänt vara en mästare på parallellredigering. Regissören använder det i många av sina verk, men The Beginning är det bästa exemplet. Händelser vid olika sömnnivåer inträffar samtidigt och i olika takt (i djupare sömn går tiden långsammare).

Här läggs den redan nämnda separationen av färger till handlingen och betraktaren blir inte förvirrad i vad som händer, utan inser händelsernas hela globalitet.

Förresten är det intressant att Nolan i filmen "Dunkirk" är ännu mer kvick med denna teknik. Den visar parallellt de händelser som äger rum på marken, i vattnet och i luften. Faktum är att kronologin är helt annorlunda, och allt konvergerar först i finalen.

Flashbacks och Flash Forwards

Ibland bäddar författarna in sina minnen från det förflutna – tillbakablickar – i hjältarnas linjära berättelse. Dessa kan vara mycket korta blixtar på några sekunder eller hela berättelser.

Ett stort fan av sådana ögonblick är Jean-Marc Vallee. Därmed tillför han spänning till de till synes lugna scenerna. Eller så gör han det klart att karaktären lurar någon: han säger en sak, men något helt annat dyker upp i hans minnen.

Det är inte svårt att gissa att flashforwards är samma berättelser, men från framtiden. De används mindre ofta, vanligtvis i science fiction eller mystiska berättelser. På en sådan teknik byggde de till och med en hel serie, där varje person under en viss förmörkelse såg ett ögonblick från sin framtid.

Och längre fram i handlingen försöker alla ta reda på orsakerna till vad som hände och förstå innebörden av deras visioner. Serien fick namnet så: Flashforward (i rysk översättning - "Kom ihåg vad som kommer att hända"). Det är sant att han bara varade en säsong.

Hoppklippt

Denna teknik gäller redan för linjär redigering. Det innebär en skarp övergång mellan ramar. De använder det för helt andra syften.

I Frank Oz's Little Shop of Horrors hjälper sådana montage till att visa den långa och tråkiga tidens gång.

Men Lars von Trier, som också ofta använder jump-cut i sina verk, förmedlar karaktärernas känslomässiga stress och psykologiska instabilitet på detta sätt. Att fotografera så här gör bilden mer "nervös". I "Idioter"-bandet är detta mycket lämpligt:

Redigering i form och ljud

För att de olika händelserna som visas i filmen ska uppfattas som en fortsättning på varandra använder författarna ofta visuella tillfälligheter. Det vill säga, konturerna av något objekt i en ram upprepas i nästa. Och ibland kan det se väldigt kvickt ut.

Likaså kan du "haka" tittaren med ljud. Skriet fortsätter med ångbåtens vissling, och det industriella mullret ersätts av musik i samma tempo. Eller suset från en skadad pipa förvandlas till ett sprakande av stekt kött.

Dessutom kan ljudet vara något före eller släpa efter vad som visas på skärmen. Detta görs för att göra scenerna mer sammankopplade. Det vill säga, tittaren hör fortfarande tal och prasslar från föregående bildruta, men handlingen har redan förändrats. Eller tvärtom.

Brist på installation

Detta är ett djärvt drag: regissörer filmar långa scener utan att redigera alls, eller döljer det på olika sätt.

Detta gör det som händer på skärmen mer realistiskt, ger tittaren en känsla av takten i själva berättelsen. Men, naturligtvis, detta tillvägagångssätt kräver mycket mer repetition och investeringar. När allt kommer omkring, under bearbetningen, kan du skära ut misslyckade små saker.

Så, Joe Wright i filmen "Atonement" visade en fem minuters scen med evakueringen av trupper från Dunkerque under andra världskriget. 1 300 personer var inblandade i folkmassan, med utrustning som rörde sig i ramen, och explosioner inträffar i bakgrunden. Det är detta tillvägagångssätt som förmedlar all dysterhet och kaos av det som händer.

Modern teknik gör det möjligt att hantera installationen mer exakt. Och det hjälpte Alejandro Gonzalez Iñarrit att skjuta Birdman. I den märker du inte ens direkt att hela handlingen visas i en kontinuerlig bildruta.

Faktum är att montaget finns där, men dolt. Skarvar görs när kameran passerar genom något mörkt element.

Och "Russian Ark" av Alexander Sokurov ser ännu starkare ut. Handlingen utspelar sig i Eremitaget och regissören fick en dag för inspelning. Därför bestämde han sig för att fota bilden utan att limma.

Det tog sju månaders repetitioner med 800 statister. Som ett resultat, från den tredje tagningen, spelade de in en hel film med en längd på 1 timme och 27 minuter.

Faktum är att det finns mycket fler sådana finesser. Men många av dem kräver redan djupa kunskaper om regi och film. Detta är bara enkla exempel som kan ses i många filmer. Och när du tittar på nästa bild kommer du säkert att slås av det "holländska hörnet" eller en lång ram utan redigering. Men detta kommer inte att förstöra filmens magi, utan tvärtom kommer att göra visningen ännu mer intressant.